D’Amit Kumar. Sélection officielle, hors compétition, séance de minuit.

Synopsis : Un flic débutant fait face à un gangster présumé dans une impasse. Il doit décider s’il va l’abattre ou pas. Trois scénarios différents explorent l’impact que l’une ou l’autre de ses décisions aura sur sa vie et sur celle de ceux qui l’entourent.

Si THE LUNCHBOX – présenté à la Semaine de la Critique – prouve que l’Inde peut revisiter la romcom en abandonnant les tics de Bollywood et en refusant les codes d’Hollywood, MONSOON SHOOTOUT veut faire de même avec… le polar. Oui mais le film, se déroulant dans des coins mal famés, souvent sous une pluie battante, lorgne tellement du côté de Hong Kong ou de la Corée du Sud qu’on déplore un réel manque d’identité. Car, il fallait s’y attendre, le film d’Amit Kumar n’atteint jamais la grâce de mise en scène ou la portée politique de ses modèles, bien plus complexes et imaginatifs. Pourtant, MONSOON SHOOTOUT fait quelques efforts : en voulant pointer du doigt la corruption des autorités et statuer que la violence engendre ainsi toujours plus de violence, le film a la bonne idée d’être simple dans l’histoire qu’il propose. À savoir les différentes options qui s’offrent à un bleu de la police lorsqu’il doit arrêter le présumé bras droit du parrain local. Tirer sans sommation, au risque que l’homme soit innocent ? Tenter de l’immobiliser ? Le laisser s’échapper puisqu’il n’est pas armé ? À chaque postulat, ses conséquences plus ou moins dramatiques, du simple blâme à la mort. Le récit a le mérite d’avoir une certaine ambition de storytelling, sans pour autant jouer la carte du scénario si malin qu’il en devient illisible. Au contraire, malgré ses allers-retours temporels permanents, il est en ligne claire, presque scolaire. Un exercice réussi et plutôt propre si l’on considère que c’est un premier film, mais qui laissera froids les aficionados des gunfights typiquement asiatiques. Car tout ça a beau être vaguement prometteur, c’est assez mineur.

D’Amit Kumar. Avec Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Jayant Gadekar. Inde. 1h28. Prochainement.

Alors que débutera demain la seconde semaine de compétition, faisons un petit point sur comment la presse française et internationale a reçu les films déjà présentés.

Huit films en compétition ont déjà été présentés à la presse et aux festivaliers depuis l’ouverture mercredi, si l’on compte les deux films du jour, BORGMAN et INSIDE LLEWYN DAVIS. Il était donc temps de faire un petit bilan de comment les médias du monde entier ont reçu les quelques candidats à la Palme déjà projetés. Un bilan que nous baserons sur deux panels : celui de Screen International (dans lequel ne figurent pas encore BORGMAN et INSIDE LLEWYN DAVIS) et celui de TF1 News, auquel Cinemateaser participe pour cette 66^e édition du Festival.

Du côté de Screen, le panel des journalistes offre pour le moment sa meilleure note à A TOUCH OF SIN de Jia Zhang-Ke, avec une note moyenne de 3 sur 4. Suivent très près LE PASSÉ d’Asghar Farhadi avec 2,8 et TEL PÈRE, TEL FILS de Hirokazu Kore-Eda avec 2,5 ou encore JEUNE ET JOLIE de François Ozon avec 2,4 sur 4. Derrière, JIMMY P. d’Arnaud Desplechin peine à convaincre avec tout juste la moyenne, tandis qu’HELI d’Amat Escalante subit une volée de bois vert avec à peine 1,6 sur 4…

Pour les Français, sur le panel TF1 News, c’est INSIDE LLEWYN DAVIS qui l’emporte pour le moment haut la main, avec une superbe note moyenne de 4,4 sur 5. Son concurrent le plus sérieux, LE PASSÉ, est loin derrière avec 3,7 points de moyenne, suivi de TEL PÈRE, TEL FILS avec 3,2. Derrière, A TOUCH OF SIN recueille une note moyenne de 3 sur 5, JEUNE ET JOLIE culmine à 2,8 ; BORGMAN à 2,5 ; HELI à 2,2 et enfin bon dernier, JIMMY P. dont la moyenne des notes atteint à peine 2 sur 5.

La semaine qui s’ouvre lundi risque de s’avérer riche en rebondissements puisqu’on attend les présentations de SHIELD OF STRAW de Takashi Miike, BEHIND THE CANDELABRA de Steven Soderbergh, ONLY GOD FORGIVES de Nicolas Winding Refn, GRIGRIS de Mahamat-Saleh Haroun, ONLY LOVERS LEFT ALIVE de Jim Jarmusch, NEBRASKA d’Alexander Payne ou encore THE IMMIGRANT de James Gray et MICHAEL KOHLHAAS d’Arnaud des Pallières. Pas sûr toutefois que l’un d’eux parvienne à recueillir la même unanimité qu’INSIDE LLEWYN DAVIS, chouchou incontesté des festivaliers.

D’Alex van Warmerdam. Sélection officielle, en compétition.

Synopsis (officiel) : Camiel Borgman surgit dans les rues tranquilles d’une banlieue cossue, pour sonner à la porte d’une famille bourgeoise. Qui est-il ? Un rêve, un démon, une allégorie, ou l’incarnation bien réelle de nos peurs ?

Trois hommes armés de fusils se précipitent dans la forêt. Camiel Borgman les entend arriver du fond de son terrier. Le temps que les « pourchasseurs » défoncent le sol pour révéler cet abri sous-terrain, dans un véritable chaos de terre et de poussière, l’ermite s’est échappé. Il est comme ça, Camiel : une présence rapide et leste comme un leprechaun, presque abstraite, impalpable. Et lorsqu’il va décider de semer le chaos dans une famille aisée, au mode de vie aseptisé, il va se révéler malfaisant et assassin. BORGMAN ouvre sur des scènes fulgurantes, où le mystère de la situation se mêle à sa cocasserie, instaurant une atmosphère de danger latent aussi loufoque que terrifiante. D’autant que vouloir faire un film d’horreur en plein air et en plein jour est une vraie bonne idée. Et que veut ce vagabond à ses proies ? Qui sont ces gens qui forment autour de lui une association de malfaiteurs, mi comédiens grotesques, mi tueurs à gage ? On l’ignore et cette détermination à faire le mal rappelle indéniablement le Haneke de FUNNY GAMES, la fascination pour l’ultra violence en moins, le décalage et la manipulation sournoise en plus. Borgman va progressivement aspirer parents, enfants et nounou dans une spirale morbide où tous vont tomber malades, se terrer dans le déni, devenir des êtres meurtriers ou désespérément amoureux de leurs bourreaux. Va comprendre… Derrière ce jeu de rôle cruel, à l’ironie féroce, y a-t-il vraiment quelque chose de plus attrayant sociologiquement que le fameux postulat « le danger est partout, même derrière les apparences innocentes ou inoffensives, et il peut frapper à votre porte et dévaster votre foyer en moins de temps qu’il faut pour le dire » ? Haneke, donc, vingt ans après. Ou dans une moindre mesure, Dominik Moll ou François Ozon sous psychotropes. Passé la surprise du postulat de départ, BORGMAN devient plus lancinant, redondant, parfois exagérément méchant et malsain. Et une fois que le message est passé, l’intérêt se délite lentement. Reste l’indiscutable maîtrise formelle qui combine une esthétique glaçante et un humour noir irrésistible.

D’Alex van Warmerdam. Avec Jan Bijvoet, Hadewych Minis, Jeroen Perceval. Pays-Bas. 1h53. Prochainement.

De Ritesh Batra. Semaine de la critique, en compétition.

Synopsis (officiel) : Une erreur dans le service pourtant très efficace de livraison de lunchboxes (les « Dabbawallahs » de Bombay) met en relation une jeune femme au foyer et un homme plus âgé, au crépuscule de sa vie. Ils s’inventent un monde à deux grâce aux notes qu’ils s’échangent par le biais du coffret repas. Progressivement, ce rêve menace de prendre le dessus sur leur réalité.

Depuis quelques années, le Festival de Cannes aime à prouver que le cinéma indien ne se résume pas à Bollywood. Après MISS LOVELY à Un Certain Regard et PEDDLERS à la Semaine de la Critique ou GANGS OF WASSEYPUR à la Quinzaine l’an dernier, l’édition 2013 réédite avec MONSOON SHOOTOUT en sélection officielle (hors compétition) et THE LUNCHBOX à la Semaine. Ce premier film de Ritesh Batra a l’ambition simple et assumée de livrer une comédie romantique, un genre généralement ultra balisé, galvaudé par des recettes hollywoodiennes usées jusqu’à la corde. Rien que le point de départ de THE LUNCHBOX donne du baume au cœur, puisque la relation qui se noue entre Ila, femme au foyer délaissée par son époux, et Saajan, veuf et employé de bureau proche de la retraite, est épistolaire. Et de fait, pétrie de fantasmes, de rêves, d’attentes et d’espoirs. Ritesh Batra se balade donc sur un territoire aérien, d’une douceur envoûtante, où l’importance des mots prend le pas sur tout autre facteur de séduction. Une idée formidable, qui sert également de prétexte à filmer l’épanouissement de trois personnages : Saajan, que le veuvage avait éloigné de tout rapport social sain et engageant, Ila, dont la vie de couple peu satisfaisante la plonge dans un univers de doutes et Shaikh, futur remplaçant de Saajan, qui trouve en lui un mentor, un ami, presque un père de substitution. Ce trio évolue avec grâce dans un univers extrêmement charnel (bien que chaste) où la nourriture – ses saveurs, ses odeurs – joue un rôle prépondérant dans l’éveil des sens. Malheureusement, si les trois héros de THE LUNCHBOX sont écrits avec une grande minutie et s’ils sont campés avec un humanisme touchant par Irrfan Khan, Nimrat Kaur et Nawazuddin Siddiqui, le récit s’avère au final assez répétitif et sombre parfois dans une formule par trop mécanique. Toutefois, THE LUNCHBOX, avec sa facture classique d’une grande sobriété et son charme global, s’érige en romcom inédite, dans laquelle on se perd avec plaisir.

De Ritesh Batra. Avec Irrfan Khan, Nimrat Kaur, Nawazuddin Siddiqui. Inde / France / Allemagne. 1h44. Prochainement

Le studio de Steven Spielberg est depuis quelques mois en quête de distributeurs en Europe. Pour la France, ce sera désormais Metropolitan Filmexport.

En raison de certains de ses soucis financiers et de ses besoins de recapitalisation, DreamWorks cherche depuis quelques mois à signer des contrats de distribution avec des sociétés internationales indépendantes. Et ce, au lieu de passer par les tuyaux de majors comme Paramount – qui fut l’un des partenaires historiques du studio de Spielberg – ou Disney – le dernier distributeur en date des films de la major, notamment en France. Une stratégie visant à augmenter ses profits et les retours financiers sur chacune de ses productions. Ce matin au Marché du film de Cannes, DreamWorks a annoncé avoir trouvé un nouveau partenaire pour la France : la société de Samuel et Victor Hadida, Metropolitan Filmexport, qui distribuera donc les films de la major US sur le territoire français. Le communiqué annonce que désormais, Metropolitan distribuera en France les films DreamWorks et ce, sur toutes les plateformes, à savoir en salles, en vidéo et à la télé.

De David Lowery. Semaine de la critique, séance spéciale.

Synopsis (officiel) : Bob et Ruth s’aiment, envers et contre tout. Et surtout contre la loi. Un jour, un braquage tourne mal et les deux amants sont pris dans une fusillade. Quand Bob est emmené par la police, Ruth a tout juste le temps de lui annoncer qu’elle est enceinte. Dès lors, Bob n’aura qu’une obsession : s’échapper de prison pour rejoindre sa femme et son enfant. Mais quand il y parvient, quatre ans plus tard, le rêve correspond mal à la réalité. En fuite, poursuivi par la police et par les membres d’un gang, Bob peine à rétablir le lien avec sa famille. Ruth est devenue mère et elle ne veut pas d’une vie de cavale : courtisée par un policier attentionné, la jeune femme devra choisir entre le passé et l’avenir.

Difficile de se faire une place dans le genre codifié du film de gangster. David Lowery choisit d’autant moins la facilité qu’il pose son regard sur un couple de hors-la-loi, ouvrant irrémédiablement la voie à des comparaisons écrasantes – de BONNIE & CLYDE d’Arthur Penn à LA BALADE SAUVAGE de Terrence Malick. Pas étonnant donc, qu’au sortir de la présentation des AMANTS DU TEXAS à Sundance, certains aient comparé Lowery à l’auteur de THE TREE OF LIFE. Une analogie qui, si elle s’avère poussive, n’en demeure pas moins inévitable, tant LES AMANTS DU TEXAS emprunte à Malick : sa fascination pour la nature, son goût pour la voix off – ici dans un style épistolaire mais pas moins spirituel – ou pour les atmosphères élégiaques gorgées de lumière. David Lowery embrasse ainsi ce qui est devenu depuis les 70’s un certain classicisme, mais ne singe pas pour autant ses modèles en un vain exercice stylistique. Avant tout, LES AMANTS DU TEXAS propose une expérience sensorielle à la forte identité, véhiculée par une brutale entrée en matière et une exploration minutieuse des personnages, dont les personnalités se révèlent surtout dans les non-dits. Ainsi, Lowery évite de leur coller des étiquettes qu’il lui serait ensuite impossible de contourner, refuse de s’imposer en démiurge manipulant ses héros et préfère les laisser se dévoiler au fil d’un récit patient. À ce titre, le rôle du policier incarné avec grande subtilité par Ben Foster s’érige en pierre angulaire d’un film allant à rebours des images d’Epinal, où chacun des protagonistes évolue en fonction de choix existentiels parfaitement définis et d’émotions d’autant plus touchantes qu’elles apparaissent d’un grand réalisme. Dommage que Lowery surligne parfois inutilement son propos – notamment dans le dernier quart d’heure – ou que sa malice, par moment trop clairement assénée, se retourne contre lui. LES AMANTS DU TEXAS parvient néanmoins à faire oublier ses défauts grâce à son sincère romantisme, à son dynamique storytelling à ellipses et à ses prestations incarnées.

De David Lowery. Avec Casey Affleck, Rooney Mara, Ben Foster. États-Unis. 1h45. Prochainement.

Sources photos : Diaphana / The Playlist

Un contrat passé avec la firme chinoise Fundamental Films, qui va donc ressusciter Frank Martin au cinéma…

La saga française LE TRANSPORTEUR a déjà connu trois épisodes sur grand écran, mais semblait au point mort, d’autant que son avatar télé n’avait pas convaincu grand monde. On pensait donc Frank Martin avait été mis à la retraite anticipée, laissant Jason Statham vaquer à des occupations plus importantes et plus lucratives, comme la saga EXPENDABLES. Mais non. LE TRANSPORTEUR renaît, via un deal passé entre EuropaCorp et Fundamental Films, firme chinoise, et annoncé au Marché du Film de Cannes.

Un contrat des plus ambitieux puisque trois volets ont été signés, menant à la mise en production du TRANSPORTEUR 4. Pour le moment, aucun réalisateur n’est attaché à la chose et Europa n’a pas souhaité révéler si Jason Statham serait de retour pour une ou plusieurs de ces suites. Si ce n’est pas le cas, on imagine que l’équipe pourrait se tourner vers l’interprète de Frank Martin dans la série, à savoir Chris Vance. À moins qu’Europa ne cherche un comédien plus bankable (et charismatique, accessoirement).

Variety révèle que chaque nouveau TRANSPORTEUR devrait être produit à hauteur de 30 ou 40 millions de dollars de budget et que le tournage de chacun devrait avoir lieu en Chine. On peut donc constater que les passerelles entre l’industrie chinoise et celles européenne et hollywoodienne ne cessent de se multiplier, histoire de profiter de ce marché florissant et en plein essor qu’est celui de l’Empire du Milieu.

De Joel et Ethan Coen. Sélection officielle, en compétition.

Synopsis : Dans les années 1960, Llewyn Davis tente de se faire une place sur la scène folk new-yorkaise et navigue dans les méandres de Greenwich Village, ancien quartier bohème porté sur la contre-culture et la liberté artistique. Parmi ses connaissances et rivaux figurent le couple formé par Jean et Jim Berkey.

Ne jamais enterrer ses idoles. Parce qu’ils peuvent toujours sortir du bois, réclamer leur couronne passée et remonter sur leur trône en pondant une œuvre totalement incontestable, digne de leurs meilleures et ouvrant de nouvelles perspectives pour le futur. Cette leçon s’applique sans discussion aux frères Coen qui, avec INSIDE LLEWYN DAVIS, se rappellent au bon souvenir de ceux qui jugeaient leur filmographie récente si ce n’est chaotique, du moins inégale. De retour à Cannes sept ans après NO COUNTRY FOR OLD MEN, ils signent sans aucun doute l’un des films les plus marquants de leur carrière, l’un des plus universels et jouissifs depuis THE BIG LEBOWSKI. New York, 1961. Llewyn Davis, musicien au talent indéniable, vogue contre vents et marées pour percer sur la scène folk du Greenwich Village. Parviendra-t-il à y faire sa place ? Vivra-t-il ses rêves de grandeur ? Les réponses à ces questions n’ont presque pas d’importance – presque – tant les Coen prennent le parti de désamorcer ici quasiment tout ce à quoi le spectateur peut s’attendre au cours du récit. À ce titre, le scénario d’INSIDE LLEWYN DAVIS s’avère parfait : jamais il ne cède à la facilité, au suspense de bas étage, au passage obligé du film d’outsider cherchant la gloire. INSIDE LLEWYN DAVIS, c’est un peu ROCKY sans les tambours, sans les trompettes, sans les gants levés sur du Bill Conti. On y conserve juste la lose du chien galeux qui lutte contre l’adversité, que l’on observe avec une ironie dévastatrice. Car avant d’être une lointaine et fictionnelle adaptation des mémoires du musicien Dave Van Ronk – figure tutélaire de nombreux artistes folk au début des 60’s – INSIDE LLEWYN DAVIS s’impose en film des frères Coen. La déconne est donc là, tapie à chaque dialogue, à chaque mouvement de caméra, dans chacun des personnages, qu’il soit principal ou de passage. Oscar Isaac y déploie une palette remarquable – quel sublime chanteur …– , Carey Mulligan s’y révèle en bitch jubilatoire, John Goodman fait… du grand John Goodman. Une galerie de clowns célestes servis par des répliques gracieuses et efficaces, magnifiés par la splendeur de la photographie de Bruno Delbonnel et l’intelligence discrète de la mise en scène, et évoluant dans un univers kafkaïen, aussi magique que désespéré, rappelant inévitablement BARTON FINK – Palme d’Or en 1991. Une analogie d’autant plus prégnante que les Coen se penchent de nouveau ici sur les affres de la création, sur le génie artistique fracassé contre un système trop hermétique. Llewyn Davis pourrait être les Coen eux-mêmes. Dans ce portrait d’artiste dont le talent peine à être récompensé, les frangins semblent projeter leurs frustrations personnelles – pourquoi certains de leurs chefs-d’œuvres ont été des échecs cuisants ? – ou plus globales – pourquoi l’Art est-il désormais cannibalisé par l’industrie ? En se focalisant sur la scène folk des années 1960, qu’ils décrivent et convoquent avec un appétit d’érudit assez dingue – bien que le film soit totalement accessible à des profanes –, ils captent un moment historique de la musique américaine. Celle de la fin d’une époque et l’avènement d’une autre, incarné par un passage de relais aussi malin qu’émouvant. Llewyn Davis, dignitaire d’un folk à l’ancienne, exigeant, underground, légèrement snob, va comprendre à ses dépens qu’une tempête se prépare, et que sa musique ne sera plus jamais la même. En creux, on y voit presque le tableau du cinéma indépendant d’auteur qui, mis en danger par une Hollywood demandant toujours plus de profit, nie la possibilité à de sublimes outsiders d’émerger. Les Coen auraient-ils pu éclore de nos jours ? Peut-être. Mais en dépit de tout leur talent, ils auraient sans doute dû passer par pas mal des revers que subit Llewyn. INSIDE LLEWYN DAVIS a été produit par des capitaux européens, avant même d’avoir l’assurance qu’un distributeur américain ne l’achète. CQFD.

De Joel et Ethan Coen. Avec Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake. France / Etats-Unis. 1h45. Sortie le 6 novembre

D’Arnaud Desplechin. Sélection officielle, en compétition.

Synopsis (officiel) : Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, Jimmy Picard, un Indien Blackfoot ayant combattu en France, est admis à l’hôpital militaire de Topeka, au Kansas, un établissement spécialisé dans les maladies du cerveau. Jimmy Picard souffre de nombreux troubles : vertiges, cécité temporaire, perte d’audition… En l’absence de causes physiologiques, le diagnostic qui s’impose est la schizophrénie. La direction de l’hôpital décide toutefois de prendre l’avis d’un ethnologue et psychanalyste français, spécialiste des cultures amérindiennes, Georges Devereux. JIMMY P. (Psychothérapie d’un Indien des Plaines) est le récit de la rencontre et de l’amitié entre ces deux hommes qui n’auraient jamais dû se rencontrer, et qui n’ont apparemment rien en commun. L’exploration des souvenirs et des rêves de Jimmy est une expérience qu’ils mènent ensemble, avec une complicité grandissante, à la manière d’un couple d’enquêteurs.

Georges Devereux, anthropologue et psychanalyste incarné par Mathieu Amalric, allongé sur le divan de son propre psychiatre avoue ne pas vouloir se sentir coupable de ce que l’Amérique a fait subir aux Indiens. C’est à un stade avancé du film qu’intervient la déclaration comme une conclusion au JIMMY P. qu’on vient de voir. Mais le spectateur est surpris : était-ce le sujet du film ? Rien ou presque n’avait laissé penser que les longues séances d’analyse de ce Jimmy Picard (Benicio Del Toro), membre de la tribu des Blackfoot revenu gravement atteint nerveusement de la Seconde Guerre, soulignaient à quel point la culture Amérindienne avait été dénaturée. Oh bien sûr, entre le docteur et son patient, il est parfois question de mettre en parallèle les coutumes de naguère et celles d’aujourd’hui. Et puis, Jimmy est très client de l’alcool que lui offre l’Amérique contemporaine. Cela en fait-il un morceau d’ethnopsychiatrie pour autant ? Non. JIMMY P. n’a pas de grand message à transmettre et en devient presque anecdotique. Il revient sur une époque où la médecine – la chirurgie, la neurologie, la psychanalyse – progresse doucement, notamment pour soigner ses nombreux traumatisés, et comme dans un western sans bandit, il s’intéresse aux éminences grises et bienveillantes de l’époque, sorte de notables d’une ville fantôme que serait cet étrange sanatorium. Mais Desplechin ne semble trouver de réel plaisir que dans les face à face organiques mais verbeux entre Jimmy, être brûlant de névroses, et Devereux, source d’espoir frétillante cherchant à éteindre le feu, au point de les accumuler ad nauseam. Il encombre son long-métrage de scènes inutiles et s’il réussit à bâtir un personnage très charismatique avec Jimmy, rate totalement son portrait de Devereux. Pourtant, Desplechin s’avère un esthète hors pair dès lors qu’il projette le spectateur dans les rêves et les souvenirs de l’Indien Jimmy, filmés comme une réalité agressive pour garantir que la confusion psychique de son patient soit contagieuse. Mais JIMMY P. ne repose que sur les errances mentales de son héros flamboyant, et instaure ainsi un rythme très lent à ce film jalonné de longs moments d’ennui. Si tant est que ce soit possible pour un auteur comme lui, Desplechin semble hors sujet.

D’Arnaud Desplechin. Avec Mathieu Amalric, Benicio Del Toro. France. 1h56. Sortie le 11 septembre

Source vidéo : The Playlist / Youtube